Un adolescente en el año 1967 debía estar confundido. Fueron los sesenta una década en la que los cambios y el ansia de buenas intenciones, mezclados con la triste realidad, convirtió a los jóvenes en utópicos entusiastas. Pero lo que para cualquier chico de hoy en día, curado ya de espanto por la época que le ha tocado vivir, es confusión y un despertar al mundo (ya se sabe, los adolescentes), fue para Susanna Kaysen ( Winona Ryder ) motivo de ingreso durante un año en un hospital psiquiátrico; su comportamiento se bautizó como Trastorno Borderline de la Personalidad . "Inocencia interrumpida" cuenta la experiencia de la verdadera Kaysen en un "manicomio" donde convivió con otras chicas desterradas a este lugar del mundo en el que uno se plantea quién está loco de verdad, si los que son encerrados entre cuatro paredes o el resto del mundo.

  Sandra Bullock lleva años intentando recuperar el carisma perdido. No lo consiguió con la melodramática 28 días, ni con la burda comedieta Miss Agente Especial. Así que ahora lo intenta por la trillada fórmula policiaca de Asesinato... 1, 2, 3, que recrea una vez más el famoso caso Leopold-Loeb, acaecido en 1924 que fue llevado al cine con anterioridad y con mejores resultados por Richard Fleischer en Impulso criminal y por Alfred Hitchcock en La soga. Esta vez la película está ambientada en la actualidad y trata de la investigación de un misterioso asesinato, aparentemente perfecto, por parte de una eficaz policía que vive traumada por un turbio suceso del pasado. Los dos principales sospechosos del crimen son dos problemáticos, inteligentes y ricos alumnos del instituto del lugar. Todos los actores están convincentes, y la realización del especialista Barbet Schroeder (El misterio Von Bulow) dosifica bien la intriga y el desvelamiento de las heridas psicologías de los personajes. Además, este último perfil aporta inquietantes reflexiones sobre la creciente fascinación por la violencia. Sin embargo, el guión no adopta una clara perspectiva moral y no profundiza en las raíces de dicha fascinación. Es más, a veces cede al morbo en su recreación de los elementos violentos y sexuales de la trama. Esto, unido a la escasa originalidad de la puesta en escena, devalúa el resultado final. Jerónimo José Martín.

  Candidata al Oscar al mejor documental, esta película se llevó el premio especial del 55 aniversario del festival de Cannes y el César a la mejor película extranjera. Michael Moore es un personaje muy conocido en Estados Unidos, gracias sobre todo a dos series televisivas de gran éxito (TV Nation –premio Emmy 1995– y The Awful Truth). “¿Estamos locos por las armas o simplemente estamos locos?” Es la pregunta que late en las dos horas de un documental que comienza con 30 minutos arrolladores e hilarantes pero que se dispersa y pierde gas al rebasar su ecuador. Para responder a ese interrogante Moore formula la teoría de la cultura del miedo que se ha instalado en la sociedad estadounidense desde su nacimiento. Un miedo a casi todo que ha llevado a los norteamericanos a armarse hasta los dientes (250 millones de pistolas y fusiles propiedad de blancos, en su mayoría residentes en suburbios residenciales sin problemas de delincuencia, según Moore). Dos sucesos luctuosos (la matanza perpetrada por dos estudiantes en la Columbine School y la muerte de una pequeña de 6 años a manos de un chico negro de su misma edad que había encontrado una pistola en la casa de un pariente) son el eje del relato de Moore, que incluye numerosos testimonios. En bastantes momentos, la película mueve a la reflexión y lo hace con gracia, agilidad y notable vigor narrativo (la música ayuda mucho). La tendencia omnipresente en los norteamericanos de a pie (y de las autoridades) a reaccionar desproporcionadamente ante los acontecimientos se presenta con gran comicidad. Moore aprovecha el viaje para abominar del racismo endémico y del capitalismo insolidario. Iniciado el rodaje, sobrevinieron los atentados del 11-S, que vinieron a trastocar el plan inicial trazado por Moore. El director optó entonces por un discurso pasado de rosca, que da pie a un apresurado y populista resumen de la violenta historia de los EE.UU. con un sesgado repaso a las hemerotecas y una cáustica pantomima animada. Verdaderamente es una pena que Moore no use la mesura que pide reiteradamente a sus compatriotas. Alberto Fijo.

  Tras varios años de inactividad, el veterano cineasta y escenógrafo italiano Franco Zefirelli homenajea en Callas Forever a su amiga María Callas con motivo del 25 aniversario de su muerte, acaecida en París el 16 de septiembre de 1977, cuando la famosa cantante tenía 54 años. Para lograr su objetivo, Zefirelli inventa al personaje de Larry Clark, un empresario musical, homosexual y amigo de la diva, inspirado en varios personajes reales y sobre todo en el propio Zefirelli. Meses antes de su muerte, Clark ofrece a la Callas una oferta tentadora, con la ilusión de rescatarla de su deprimente encierro. Se trataba de rodar en cine varias óperas, con la Callas madura de protagonista, y doblarlas después con la bellísima voz de la cantante cuando era joven. Tras un eufórico rodaje de Carmen, María Callas se plantea serios conflictos éticos y vitales. Apoyado por una preciosa banda sonora –llena de arias originales de María Callas–, el guión desarrolla con hondura la tragedia de una mujer que pierde las facultades físicas que la hicieron famosa. Y también retrata con intensidad el afán de sus amigos por sacarla del camino de la autodestrucción. En estos dos cimientos dramáticos se asientan las intensas interpretaciones de Fanny Ardant y Jeremy Irons. Sin embargo, la puesta en escena de Zefirelli sólo resulta atractiva en su barroca recreación de Carmen y en varios momentos preciosistas, a veces melodramáticos, a veces oníricos, y siempre muy operísticos. El resto se presenta con un tipo de realismo visualmente desgastado, fragmentario en su desarrollo y desagradable en su enfoque amoral de la homosexualidad. Jerónimo José Martín.

  Después de triunfar con American Beauty, en Camino a la perdición el inglés Sam Mendes afronta a la manera clásica el drama de gangsters. Basada en un cómic de 1998, la película relata el drama de un chaval de 13 años, católico y de sangre irlandesa, que vive con su hermano pequeño y sus padres en el Illinois de 1931. El muchacho admira a su padre, Michael Sullivan, hasta que descubre que es un despiadado matón de John Rooney, un mafioso irlandés que adoptó a Michael de niño cuando quedó huérfano. Accidentalmente, Michael Jr. es testigo de un asesinato cometido por Connor Rooney, el cruel hijo de John. Esto provoca una trágica espiral de sangre entre los Rooney y los Sullivan, en la que incluso interviene Frank Nitty, el temido lugarteniente de Al Capone. Nitty contratará a un loco asesino, que fotografía los cadáveres de sus víctimas. Desde el primer momento, guión y realización llenan de resonancias bíblicas y shakespeareanas esta tragedia sobre la paternidad, la violencia, la venganza, la culpa y la redención. Esta acertada opción dota de una poderosa presencia a todas las interpretaciones, inmejorables en el caso de Paul Newman y Tom Hanks, este último en las antípodas de sus papeles habituales. Por su parte, Mendes envuelve a los personajes en una atmósfera gélida e hipnótica, cuya tensión se potencia con un inteligente empleo dramático del agua y con la soberbia fotografía casi monocromática de Conrad L. Hall. Ciertamente, el argumento de Camino a la perdición no es muy original. Además, Mendes afronta varios de sus conflictos morales con la parcialidad y la ambigüedad que ya mostró en American Beauty. Es el caso, por ejemplo, del catolicismo de los personajes, presentado en unos términos sórdidos y opresivos. Mucha más hondura tiene el sentido de culpa del protagonista y su angustioso afán por redimirse intentando salvar a su hijo del infierno de la violencia. Incluso con sus limitaciones, Camino a la perdición está llamado a ser uno de los títulos destacados de la temporada. Jerónimo José Martín.

  Un actor magnífico al servicio de una historia muy prometedora pero fallida. En Con amor, Liza, de Todd Louiso, Philip Seymour Hoffman encarna a un hombre desgraciado, Wilson, al que se le acaba de suicidar su esposa. Pero ella deja un sobre escrito a su nombre. Wilson no se atreve a abrirlo por miedo a sentirse inculpado. Se refugiará en la droga y la irresponsabilidad, pero al final tendrá que abrir la carta. Una idea bonita pero mal desarrollada. Nada sabemos en todo el film de la relación del matrimonio, y además hay un excesivo y lento desarrollo y un insuficiente y precipitado desenlace. En realidad, parece que estamos ante un corto alargado. Cabe destacar la presencia de Kathy Bates, conocida por sus interpretaciones en Tomates verdes fritos, Titanic y A propósito de Schmidt. Juan Orellana.

  Debuta como director el colombiano Rodrigo García, hijo del famoso escritor Gabriel García Márquez. Formado en Harvard y en el American Film Institute, escribe y dirige esta colección de cinco historias sobre la soledad femenina, con personajes comunes y singulares, al estilo de Caricias, de Ventura Pons, o Magnolia, de Paul Thomas Anderson. Todos los episodios transcurren en el barrio de San Fernando de Los Ángeles y se hilvanan por un casi invisible hilo de relaciones. Cada historia tiene su título y su protagonista, y describe alguna situación expresiva de la necesidad de ser amado. Glenn Close da vida a una médico abortista divorciada que pide ayuda a una echadora de cartas lesbiana (Calista Flockhart), angustiada a su vez por la enfermedad mortal de su amante (Valeria Golino). También atormentada es la existencia de una seria policía (Amy Brenneman), que cuida de su bella y frívola hermana ciega (Cameron Díaz). Ahora, la detective está a punto de intimar con el médico forense que investiga con ella el suicidio de una mujer chicana (Elpidia Carrillo). Por su parte, la directora de un banco (Holly Hunter), soltera pero liada con dos hombres, decide abortar pese a las advertencias de su ginecóloga (Roma Maffia) y de una mendiga loca (Penny Allen). Finalmente, una escritora de cuentos infantiles (Kathy Baker), madre soltera de un adolescente, se enamora de un enano que se instala enfrente de su casa. Premio al guión en el Festival de Sundance de 1999, la película ofrece unas portentosas interpretaciones, una realización detallista y la seriedad de un tema como la soledad radical que inunda nuestro mundo moderno. Sin embargo, la opción de Rodrigo García -parecida a la de Almodóvar- de limitarse a constatar los hechos sin juzgarlos, le lleva a mantener una excesiva ambigüedad ante cuestiones de relevancia moral, como el aborto o el verdadero sentido de la sexualidad. El resultado es un film que se queda corto y que, en definitiva, deja a sus personajes más solos de lo que estaban. Juan Orellana.

  De la mano de los hermanos Hughes nos llega Desde el infierno, un thriller de época en torno a la figura de Jack el Destripador. Ambientado en el Londres victoriano, el film nos ofrece una interpretación compleja de aquellos famosos crímenes en la que prostitución, masonería y monarquía se entrelazan en un fatídico destino. Johnny Depp encarna al inspector Abberline, designado para atrapar al Destripador. La hasta ahora actriz de películas adolescentes Heather Graham interpreta a Kelly, la prostituta que pondrá a Depp sobre la pista del psicópata asesino. Desde el infierno es un film muy sensacionalista: impresionante por un lado y tramposo por otro. El moderno estilo de montaje impresionista, los sustos injustificados y la consabida ración de imágenes gore se combinan al servicio de un argumento bastante inverosímil y cuya plausibilidad está lejos de ser demostrable. A pesar de ello, tiene hallazgos interesantes, y plantea hipótesis divertidas o cuanto menos, sugerentes. El feísmo sangriento y prostibulario del film se compensa en parte por la sólida presencia actoral, en la que cabe destacar la del magnífico secundario Robbie Coltrane, que hace de policía compañero de Johnny Depp, y la antes citada Heather Graham, quizá con demasiado estilo para hacer de quien hace. No falta una hermosa y púdica trama romántica, al estilo del clásico melodrama, y también se nos ofrece un sorprendente homenaje explícito a El hombre elefante de David Lynch. En fin, no es para tirar cohetes este thriller nocturno, pero tampoco carece de ingredientes apetecibles. Juan Orellana

  En los últimos años, películas como En el nombre del padre, The Boxer, En el nombre del hijo o Titanic Town han mostrado el conflicto de Irlanda del Norte desde una perspectiva realista y ponderada. En esta tendencia ha sido fundamental el irlandés Jim Sheridan, director y guionista de las dos primeras películas, y productor y guionista de la tercera. Ahora ha participado como productor ejecutivo en Domingo sangriento, escrita y dirigida por Paul Greengrass, prestigioso documentalista inglés que debutó en el cine con Extraña petición. El año pasado, Domingo sangriento ganó el Oso de Oro en la Berlinale -ex aequo con El viaje de Chihiro, de Hayao Miyazaki- y el premio a la mejor película en el Festival de Sundance. Tomando como modelo La batalla de Argel, de Gillo Pontecorvo, y con un vigoroso estilo hiperrealista, de factura casi documental, Domingo sangriento recrea los terribles sucesos acaecidos en Derry (Irlanda del Norte) el 30 de enero de 1972. Ese día, paracaidistas ingleses mataron a 13 irlandeses desarmados e hirieron a otros 14 durante una manifestación legal contra los internamientos preventivos sin juicio. La primera investigación oficial exculpó a los soldados ingleses; pero el caso fue reabierto en 1999 con la aprobación de Tony Blair. Greengrass perfila a todos los personajes, de uno y otro bando, de un modo equilibrado y rico en matices. Esto permite a los actores unas interpretaciones sensacionales y enriquece enormemente el discurso dramático, político y moral de la angustiosa puesta en escena. Ésta entrecruza las diversas subtramas a través de un uso magistral de la cámara en mano, los efectos de montaje y la banda sonora, que culmina con la famosa canción de U2 sobre este suceso. Se ofrece de este modo un vigoroso fresco de aquella trágica jornada, detonante de tres décadas de violencia en el Ulster, y en la que fueron desgraciadamente decisivas la irresponsabilidad de unos cuantos jóvenes violentos, la falta de previsión de los políticos y el nerviosismo de unos soldados de gatillo fácil, alentados por la torpeza de sus mandos y por un odio ancestral. Jerónimo José Martín.

  La joven actriz neoyorquina Leelee Sobienski llamó la atención en La hija de un soldado nunca llora, de James Ivory, y sobre todo en la miniserie televisiva Juana de Arco, que le valió hace tres años la candidatura al Globo de Oro a la mejor actriz de televisión. Después rebajó esas expectativas con su sórdida aparición en Eyes Wide Shut y con sus posteriores intervenciones en películas mediocres. Ahora relanza otra vez su carrera en Educando a J., primer largometraje tras la cámara de la actriz Christine Lathi, que ya había dirigido el corto Liberman in Love, premiado con el Oscar. Leelee Sobieski da vida a Jennifer, una rebelde adolescente californiana de 17 años, hija de padres divorciados, que vive con su cursi madre y su apático padrastro. Hastiada del mundo que le rodea, Jennifer se hace llamar J., viste de riguroso negro, llena su cuerpo de tatuajes y piercings, y disimula su dolor y su soledad adoptando una infantil actitud antisocial y autodestructiva. De hecho, solo se sincera con su abuela muerta, a la que se imagina y con la que habla frecuentemente. La vida de J. da un giro cuando conoce a Randall, aburrido cincuentón dueño de una tienda de ropa que, sorprendentemente, confía en ella y le ofrece trabajo. La creciente amistad que surge entre ambos les ayuda a afrontar sus respectivos traumas, pero les conduce también hacia una situación peligrosa. Alguno considerará demasiado idílico o melodramático el viaje que plantea la película desde los abismos de la desesperación, el cinismo y el escapismo hippie hasta el redescubrimiento del perdón, el cariño familiar, la amistad, el amor, el trabajo y el valor purificador del sufrimiento. Pero, en sí, dicho viaje resulta muy animante. Y además, está desarrollado con gran hondura dramática por el sólido guión, por la puesta en escena -muy directa en sus pasajes realistas y sugestiva en sus salidas oníricas- y sobre todo por las excepcionales interpretaciones. En este sentido, Sobienski resuelve magistralmente el papel más complejo de su carrera, mientras Albert Brooks le da la réplica con riqueza de matices y sin restarle protagonismo. Hasta se disculpan ciertas crudezas verbales, pues dan verosimilitud y madurez a su apología de la capacidad de virtud del ser humano. Jerónimo José Martín.

  Jean-Claude Romand era un respetado médico francés de mediana edad que el 9 de enero de 1993 asesinó fríamente a su esposa, a sus dos hijos pequeños y a sus propios padres, y después intentó suicidarse sin éxito. Durante la investigación policial se descubrió que Romand nunca había sido médico ni había trabajado en la Organización Mundial de la Salud, en Ginebra, como él aseguraba. De modo que llevaba 18 años engañando a su familia, a sus amigos y a una amante que mantenía en París. Él, mientras tanto, vivía del dinero que todos ellos le prestaban para unos fondos de inversión en Suiza, supuestamente muy ventajosos. Finalmente, el loco deambular de Romand, de gasolinera en gasolinera y de hotelucho en hotelucho, culminó en un hospital psiquiátrico. Esta historia real, adaptada con más o menos fidelidad, ha dado lugar a tres películas: la española La vida de nadie, de Eduard Cortés, y las francesas El empleo del tiempo, de Laurent Cantet, y El adversario, de Nicole García, que ha tenido cinco candidaturas importantes a los Premios César. Esta última se basa directamente en la obra homónima de Emmanuel Carrère, que recrea la historia auténtica en clave de investigación periodística. El resultado es interesante pero desigual, y un poco inferior a las otras dos versiones fílmicas del suceso. El adversario está bastante bien escrita y ofrece unas intensas interpretaciones, sobre todo del veterano Daniel Auteuil, que da perfectamente el tipo del inquietante Romand. También tiene interés la fría puesta en escena de Nicole García, cercana al clásico estilo polar, y muy meritoria en su complejo hilvanado de tiempos y momentos dramáticos, pues el guión va desvelando el caso poco a poco, pero mezclando desde el principio todas las tramas, también la del asesinato. Sin embargo, por dentro de este elogiable ejercicio de creación y mantenimiento de la intriga, hay poco relleno, salvo que se considere como tal la obvia constatación del poder destructor de la mentira. El caso es que no se dan razones de la actitud de Romand, ni siquiera se apuntan elementos tangibles de juicio -respecto a sus relaciones familiares y extramatrimoniales, por ejemplo-, a diferencia de las otras dos adaptaciones. Así que el espectador, aunque se mantiene interesado por la intriga, nunca se conmueve con el drama que se describe. Un defecto importante en una película que por fuera parece más redonda. Jerónimo José Martín

  El misterioso suicidio de su padre obliga a una joven bióloga a indagar oscuros hechos del pasado de su familia, relacionados con una rigorista secta precristiana. En esta versión de la novela Pact of the Fathers, de Ramsey Campbell, cabe elogiar los esfuerzos del debutante Paco Plaza por lograr una inquietante atmósfera de intriga sin abusar de efectismos truculentos. Esto eleva la calidad de su realización, resuelta con un brillante trabajo de planificación e iluminación. Sin embargo, el guión padece una excesiva frialdad expositiva, que se contagia a las interpretaciones. Jerónimo José Martín.

  Hace años, en su excelente película Pena de muerte, Tim Robbins puso el dedo en una de las llagas de la sociedad norteamericana: la fría institucionalización de la venganza. Ahora insiste en otros aspectos de ese mismo tema el debutante Todd Field, que ha ganado con En la habitación una docena de premios de la crítica, el Globo de Oro a la mejor actriz dramática (Sissy Spacek) y cinco candidaturas importantes a los Oscars: película, actor (Tom Wilkinson), actriz (Sissy Spacek), actriz secundaria (Marisa Tomei) y guión adaptado. A partir de un relato de André Dubus, se describe la tragedia de un matrimonio maduro cuyo hijo único es supuestamente asesinado por el desquiciado ex marido de su novia. La falta de pruebas directas ponen al principal sospechoso en la calle, lo que lleva al matrimonio al borde de la ruptura y la desesperación. Durante casi dos horas, la película ofrece un análisis certero de la carencia de recursos morales, desarrollado a través de unas interpretaciones sensacionales y de una densa puesta en escena, muy emocional en su tono ponderado e íntimo. Sin embargo, el terrible desenlace, aunque no rompe la perspectiva moral de la película, resulta artificioso y excesivo, y devalúa los logros previos. Jerónimo José Martín.

  Escalofrío narra la historia de un padre y sus hijos que creen haber recibido de Dios una misión terrible y letal en las proximidades del fin del mundo. Dirigida y protagonizada por el actor Bill Paxton, Escalofrío es una película de terror calificada por Stephen King de "única y provocativa". Paxton, conocido secundario de films como Titanic y Aliens, debuta en la dirección con un guión del también debutante Brent Hanley. Más veterano es el fotógrafo Bill Butler, aclamado por Tiburón, Grease y Alguien voló sobre el nido del cuco. Probablemente el mayor valor de Escalofrío está en la interpretación de Bill Paxton y de los niños Matt O'Leary y Jeremy Sumpter. Las escasas apariciones de Matthew McConaughey son más discutibles, como su propio personaje. La trama es muy uniforme, perjudicada en su ritmo por la escasa presencia de giros de intriga y con el añadido de un final muy enrrevesado. Pero lo más discutible es la continua tortura moral, psicológica y en algún caso física, a la que se ven sometidos los dos niños hijos del protagonista y que nos lleva a preguntarnos si todo cabe en las reglas del género de terror. Escalofrío es una película que se levanta y sostiene sobre unas concepciones religiosas irracionales, por las que Dios encomienda directamente a algunas personas iluminadas misiones demenciales basadas en la venganza y el castigo del Antiguo Testamento. Y el final del film, parece dar credibilidad a este enloquecido planteamiento. Quizá los amantes del género compartan el aludido juicio de Stephen King. Pero nosotros, sinceramente, no. Juan Orellana.

  Frida Kahlo nació en México en 1907. Hija de un judío alemán y de una mexicana. Su educación fue avanzada y liberal, especialmente para una mujer, en México y en esa época. Fue militante comunista desde su juventud. Un accidente de tranvía cuando tenía dieciocho años marcó su vida, que a partir de ese momento se convertiría en una larga lucha contra la enfermedad y el dolor. Durante la convalecencia comenzó a pintar. En 1929 se casó con el pintor Diego Rivera, también comunista, hombre divorciado y promiscuo. La pareja se prometería "lealtad, no fidelidad". Ambos hicieron un largo viaje a Estados Unidos, bastante traumático. También se describen los amores de Frida con Trotsky, refugiado político en México; su divorcio de Diego Rivera y su nuevo matrimonio con él mismo, así como sus exposiciones en París y México. El guión de este segundo largometraje de Julie Taymor (Titus) ha sido elaborado a partir de la biografía de Frida Kahlo, escrita por Hayden Herrera. Frida Kahlo fue una mujer apasionada, llena de talento, que vivió amores tumultuosos con hombres y con mujeres, y que sufrió mucho. Personalidad exuberante que aborda todos los temas gratos a la hagiografía políticamente correcta: individualidad, egoísmo, aborto, amor libre, infidelidad, homosexualidad, progresismo social y un largo etcétera, entre los que cabe contar la pérdida de la fe católica. Esta biografía tiene el interés de acercarse de una manera original al mundo pictórico de Frida. Poco después de su muerte un crítico escribió: "Es imposible separar su vida y su obra. Sus cuadros son su autobiografía". Frida pone en imágenes esta idea, de modo que su guión se centra en la difícil relación con Diego Rivera, y en cómo los diversos episodios de su vida con él son la fuente de inspiración de su pintura. Así, Julie Taymor crea un mundo visual y sonoro surrealista y mágico, capaz de seducir al espectador. Recordemos los temas recurrentes de la bañera y el pie, o la pintora cubierta de sangre tras su accidente, o los cuadros que cobran vida o la vida que semeja un cuadro; pensemos en esa recreación de King Kong antes del viaje a Estados Unidos, o el despliegue de colores que utiliza para iluminar el viaje a París. Para una buena parte del público, Frida, que este año compite por seis estatuillas en Hollywood -la mayoría de ellas, técnicas-, supondrá, además del descubrimiento de la singular artista mexicana, el de la cineasta Julie Taymor. Frida es una obra de gran belleza plástica, sensual y con tendencia a los excesos, también sexuales, insistentes y explícitos. Está concebida para despertar admiración por el personaje, anulando casi la capacidad crítica del espectador. Fernando Gil-Delgado.

  Los buenos aficionados pueden disfrutar por fin de una de las mejores películas italianas de los últimos años. Se trata de Fuera del mundo, sexto largometraje del joven director Giuseppe Piccioni, autor de películas como Il grande Blek o Cuori al verde. Fuera del mundo ganó en 1999 cinco Premios Donatello -a la mejor película, actriz (Margherita Buy), guión, producción y montaje-, cuatro Premios Ciak de Oro, el Gran Premio del Jurado del Festival de Montreal y los premios a la mejor película y del público en el Festival de Los Ángeles. El espléndido guión desarrolla las historias entrelazadas de tres habitantes de Milán. Caterina es una monja aún joven que está a punto de hacer los votos perpetuos. Ernesto es un cuarentón hosco, solitario y hipocondriaco, que regenta una tintorería. Finalmente, Teresa es una angustiada adolescente, que huye de su familia y se va a vivir con un policía. Un bebé abandonado en un parque unirá a estos personajes frágiles, que parecen vivir fuera del mundo, en un singular universo propio. Sus encuentros desvelan los valiosos seres humanos que existen bajo sus uniformes y máscaras, y los enfrentan con las dolorosas pero dulces exigencias del amor. Un amor que -como se subraya en el film- es exagerado por definición. Estructuralmente, Fuera del mundo entronca con Grand Canyon, Jugando con el corazón, Magnolia... y otras películas norteamericanas corales que han diseccionado certeramente la crisis moral de las sociedades occidentales. Pero su tono intimista, contemplativo y a media voz está más cerca de películas europeas como Donde el corazón te lleve, Canción de cuna o Solas. Desde estos parámetros, Piccioni y sus coguionistas se atreven a indagar en el sentido profundo de la vocación religiosa, en las limitaciones de los amores humanos frente a la infinitud del amor divino y en la radical capacidad transformadora de la caridad cristiana. Como nunca eluden las fuertes tentaciones materialistas que dificultan esos elevados ideales, su visión no cae en el ingenuo espiritualismo de quienes presentan sin defectos a aquellos que aspiran a la perfección. Y como tampoco ceden al cinismo prepotente y paralizante, acaban ofreciendo una indagación muy luminosa sobre los lazos que unen lo humano y lo divino. Este rico planteamiento argumental permite unas secuencias de gran densidad visual, cuya pobre resolución fotográfica se compensa con una esmerada planificación y con una inteligente utilización de la preciosa partitura de Ludovico Einaude. Aunque lo que realmente da trascendencia dramática y moral a los cuidados diálogos son unas interpretaciones con una extraordinaria capacidad para conmover. Destaca en este sentido Margherita Buy, cuya maravillosa caracterización de sor Caterina pone rostro humano a realidades tan difíciles de dibujar como la esperanza, la compasión, la bondad, el dominio de sí, el amor a Dios, la santidad. Jerónimo José Martín.

  Un libro de Herbert Asbury, un periodista que logró celebridad en 1926 con un reportaje sobre una prostituta que conseguía clientes en los cementerios, es el origen de esta larga película de Scorsese. Gangs de Nueva York (la acaba de editar Edhasa en español) se publicó en 1928 y cuenta mil historias de bandas y bandidos en la Gran Manzana entre 1800 y 1925. Según parece, Scorsese leyó la novela en 1970 y desde entonces soñaba con llevarla al cine. Es llamativa la descompensación que existe entre la vulgaridad del guión -pobre y elemental- y la cuidadísima realización -de un barroquismo perfeccionista, a ratos muy brillante- de esta larga, costosa e hiperviolenta película que vuelve a poner sobre la mesa la recurrente fascinación de Scorsese por la violencia, el crimen organizado y la marginalidad. Los bandidos organizados en clanes que aterrorizaron con sus desmanes Lower Manhattan, la Cocina del Infierno y el cruce Five Points, convirtieron estos lugares en campos de batalla para dirimir su rivalidad por hacerse con el temor ajeno en el mundo del hampa. Con el concurso de la corrupción política, la miseria circundante y la emulación de los más jóvenes hacia el que consigue mucho a cambio de nada, el prestigio en los bajos fondos depende de la ferocidad inhumana de hombres que golpean primero y preguntan después. La batalla campal entre dos bandas en 1863 abre otra película de gangsters, unos tipos con una valentía desesperada en un mundo dominado por las peleas, el sexo y la droga. Scorsese ha organizado este material como un carrusel de violencia esquizoide, con magníficas interpretaciones de Lewis y Di Caprio, unidos por una trillada relación paterno-filial, que resulta bastante pueril. No se entiende muy bien adónde quiere llegar Scorsese con eso de que su película es una parábola que ayuda a entender que la sociedad norteamericana está construida sobre la violencia. Scorsese quiere vestir de trascendencia una película que por la falta de entidad de sus personajes, por lo endeble de tramas y planteamientos, parece más bien un gigantesco capricho, en el que no podían faltar las ridículas obsesiones religiosas de un realizador que parece gozar de un crédito ilimitado y omnicomprensivo por parte de un sector de la crítica y el público europeos. Alberto Fijo.

  Por fin, Pedro Almodóvar se está haciendo mayor. De modo que casi ha olvidado las frívolas tontadas que le hicieron famoso -y que algunos todavía reivindican- y se está lanzando poco a poco a indagar con cierta seriedad en la compleja alma humana. Apuntó maneras, pero no encontró el tono, en La flor de mi secreto. Se estrelló después, por demasiado sórdido, en Carne trémula. Y finalmente tocó fibra en Todo sobre mi madre. Ahora, en Hable con ella salta de los sentimientos maternales a los amores generosos y apasionados, presentados como el único remedio eficaz contra las dolorosas soledades del egoísmo. Así se podría resumir la transformación que viven los protagonistas de la película: dos hombres heridos y solitarios que, paradójicamente, encuentran su canción interior al relacionarse con dos mujeres obligadas por la vida a mantenerse en silencio. Benigno -un maternal y enmadrado enfermero que hace honor a su nombre- la encontrará cuidando amorosamente de una bella bailarina en coma. Por su parte, Marco, un sensible escritor y periodista, lo hará ayudando a una torera de raza cuyo mal de amores la lleva al borde de la muerte. Benigno y Marco se harán amigos en un hospital de Madrid. Y, desde entonces, gozarán juntos con la sorprendente elocuencia de los cuerpos inertes y de las palabras amigas, y sufrirán juntos con las locuras del amor cuando se torna pasión enfermiza. Todo lo dicho suena muy bonito, y ciertamente está en unas cuantas escenas, plenas de emotividad y hondura. También está en algunos de los contrapuntos cómicos con que el director manchego oxigena su desbordado melodrama. Sin embargo, otros de estos contrapuntos de humor -por ejemplo, el cortometraje surrealista El amante menguante- rompen el tono elegante con su grotesco recurso a lo soez, lo obsceno o lo irreverente. Y, en la resolución, Almodóvar se deja llevar por su tendencia hacia lo sórdido, y estropea bastante el personaje de Benigno, espléndido hasta ese momento. Hasta el punto de que uno tiene la sensación de haber sido engañado miserablemente. Menos mal que el abierto epílogo nos devuelve al Almodóvar sutil, elegante y emotivo que hemos gozado en unas cuantas secuencias de esta película irregular pero interesante. Jerónimo José Martín.

  Se esperaba con cierta expectación el último trabajo de Vicente Aranda (Amantes, Libertarias, Celos), presentado como una ambiciosa actualización de Locura de amor, la famosa versión fílmica de la obra teatral de Manuel Tamayo y Baus, que protagonizaron en 1948 Aurora Bautista y Fernando Rey bajo la dirección de Juan de Orduña. En el último Festival de San Sebastián, la protagonista de la película de Aranda, Pilar López de Ayala, recibió el Premio a la mejor actriz. Sin embargo, en justicia, solo cabe calificar la película como un producto decepcionante. La razón principal radica en la perspectiva adoptada por Vicente Aranda. Y es que el veterano director, coherente con el resto de su filmografía, reduce a exclusivas motivaciones sexuales las diversas actuaciones de la reina Juana de Castilla, segunda hija de los Reyes Católicos, esposa de Felipe de Habsburgo y madre del emperador Carlos V. En concreto, sus famosas rarezas responderían exclusivamente a la pasión sexual que provocaba en ella Felipe el Hermoso, presentado como un rey libertino y ambicioso, que fue reiteradamente infiel a su esposa desde el primer momento. Esta perspectiva reduccionista de Aranda afecta gravemente a cada uno de los apartados de la película. Por un lado, provoca que los neuróticos personajes resulten muy poco creíbles, lo que devalúa el elogiable esfuerzo interpretativo de Pilar López de Ayala, y resalta todavía más la escasa calidad de varios actores secundarios. Todo esto, a su vez, deshumaniza radicalmente la puesta en escena, sin que su despliegue de medios y su esmerada factura sirvan para arreglar la cosa. Así que solo funciona la película en las contadas secuencias -la aparición de Juana ante las Cortes de Castilla, la muerte de Felipe...- en que Aranda se olvida de su premisa argumental y se decide a indagar en las pequeñas historias que conforman la gran historia. Jerónimo José Martín.

  La directora holandesa Marleen Gorris se dio a conocer internacionalmente con Antonia, infumable y sobrestimado culebrón que incluso llegó a ganar el Oscar a la mejor película en habla no inglesa. Más tarde, dirigió una buena adaptación de Mrs. Dalloway, la compleja novela de Virginia Woolf. Ahora, en La defensa Luzhin -basada en la novela de Vladimir Nabokov-, Gorris confirma que lo suyo son las adaptaciones de relatos más bien sombríos. La defensa Luzhin se desarrolla en la Italia de los años 20 y describe el romance entre una aristócrata rusa y un tímido, desastrado y genial jugador de ajedrez, que vive obsesionado con ese juego. Ambos se conocerán en un idílico palacio al borde de un lago y cercano al pueblo donde tiene lugar el campeonato mundial de ajedrez. Los altibajos de la extraña relación sentimental -mal vista por los padres de la chica- se enredan aún más con el desarrollo del campeonato, que conduce al ajedrecista a un progresivo enrocamiento en profundos traumas generados durante su niñez. Como en las demás películas de Marleen Gorris, el ritmo es lánguido y el tono demasiado denso, sobre todo por el trágico fatalismo que domina la historia y por su cierta amoralidad. En este sentido, pesa como una losa la visión pesimista que muestra Nabokov -y con él, Gorris- respecto al ser humano en sí, en familia y en comunidad. En cualquier caso, el conjunto se deja ver por el bello preciosismo de la puesta en escena y por unas meritorias interpretaciones, a las que sólo cabe reprochar algún leve exceso histriónico, tanto de Emily Watson como de John Turturro. Jerónimo José Martín.

  Se estrena la película británica que, inexplicablemente, ganó el León de Oro en el Festival de Venecia 2002. Las hermanas de la Magdalena está dirigida por el actor británico Peter Mullan, habitual de las películas radicales de Ken Loach. La Orden de la Magdalena es una congregación religiosa que trabajaba en reformatorios directamente vinculados al Ministerio de Justicia irlandés. La gestión estaba sometida al control riguroso de los inspectores del Estado. La gran mayoría de las internas eran chicas muy jóvenes, a menudo violentas, ingresadas en dichos centros por sentencia judicial de los tribunales de menores como consecuencia de delitos penales. Sin embargo, Mullan obvia todo esto y nos presenta las casas de la Magdalena como instituciones religiosas de arriba a abajo, y cuyas "residentes" no eran delincuentes, sino víctimas de una injusticia clamorosa. Concretamente, la historia se centra en tres chicas recluidas en uno de esos centros cerca de Dublín, en 1964. Se trata de Margaret, cuyo delito es ser violada por su primo durante la celebración de una boda; Bernardette, huérfana que es acusada de ser una tentación para los varones; y Rose, madre soltera. Una vez terminado el prólogo comienza la película como tal, que tiene exactamente la misma estructura dramática que un film de género carcelario sobre campos de concentración nazis. Maltratos, opresión, vejaciones, humillaciones, castigos, violencia, perversiones sexuales... El resultado que se busca con estas similitudes es obtener del espectador el rechazo global a la "institución católica", y no sólo a los personajes concretos del film. Familias católicas, religiosas, sacerdotes, liturgia, oración... todo lo que sale en el film es triturado en el mismo saco. Desde el punto de vista de las ideas, sólo hay un leit-motiv a lo largo de las dos horas de metraje: el pecado y el castigo. La obsesión por los pecados graves va más allá incluso de una posición luterana convencional; obsesión motivada por el pánico al castigo, el divino y el terrenal. El infierno, la penitencia extrema, la culpa... son los únicos elementos distintivos del catolicismo en este film. En fin, la película se califica por sí sola. Juan Orellana.

  La filosofía vital de Virginia Woolf en tres tiempos y a lo largo de unas horas, a través del devenir de tres mujeres. Una de ellas es la propia escritora, retirada en su casa a las afueras de Londres en 1923, mientras escribe La señora Dalloway, una de sus obras emblemáticas. Apática y deprimida, temerosa de la servidumbre, el rostro de la novelista se ilumina con la visita de su hermana y sus sobrinos. Las horas de las otras dos mujeres, a quienes influye de modo decisivo la lectura de la novela de Woolf, transcurren en 1951 y 2001. Laura Brown es una mujer de los Ángeles, casada y con un hijo, ama de casa aburrida a punto de estallar, pese a su fachada de "feliz mujer norteamericana". La otra mujer, Clarissa Vaughan, tocaya de la heroína imaginaria de Woolf, vive con una mujer, y su vida se encuentra plegada a numerosos convencionalismos. El guión de David Hare adapta con fidelidad la novela de Michael Cunningham, ganadora del Premio Pulitzer en 1998. Y su puesta en escena por Stephen Daldry (Billy Elliot) hace que la narración fílmica de tres historias paralelas, donde los ecos de una resuenan en la otra, parezca sencilla. Esto es así gracias a unas transiciones muy meditadas y al trabajo interpretativo en su conjunto, en especial de ese trío de mujeres en crisis encarnadas con poderío por Nicole Kidman, Julianne Moore y Meryl Streep. A nadie puede extrañar que la película haya acaparado nueve candidaturas a los Oscar, incluidas las correspondientes a mejor película, director y actriz (Nicole Kidman). Por otra parte, el film conecta bien con cierta sensibilidad contemporánea, de personas que se encuentran continuamente insatisfechas consigo mismas y que desean vivir la vida intensamente sin saber bien cómo. Más allá de la bisexualidad de las tres mujeres, tímidamente experimentada o plenamente asumida, dominan las lágrimas contenidas, los silencios, la soledad de fondo. Ni las alegrías sencillas -como un ramo de flores o una mañana recién lavada-, ni el ajetreo de los preparativos de una fiesta impiden la amargura, pues en esa su vida ordinaria falta lo más importante: el sentido. Tales planteamientos llegan a Laura y Clarissa por influencia de Virginia Woolf, en cuya literatura late, cuando se afianza el invierno de su descontento, un vitalismo que se revela de todo punto estéril. Tan estéril que puede incluso conducir a designios suicidas. Así, el arranque del film, con Virginia Woolf hundiéndose en el río Duse, planea sobre las tres historias, hasta presentar el suicidio como salida razonable (o al menos, no condenable) ante los problemas que acucian a los personajes. José María Aresté.

  Nacido en Israel en 1962, Rod Lurie se graduó en la Academia de West Point antes de dedicarse a la crítica de cine, ámbito en el que llegó a ser presidente de la principal asociación profesional de Estados Unidos. Desde allí saltó a la dirección, primero en el premiado corto Cuatro segundos perdidos y después con el largometraje Deterrence. El año pasado, Joan Allen y Jeff Bridges optaron al Oscar y al Globo de Oro por sus interpretaciones en la tramposa película de Lurie Candidata al poder, un alegato antirrepublicano y abortista. Ahora, el cineasta retorna a sus orígenes militares y despliega de nuevo ese mismo tono panfletario en La última fortaleza, fallido drama carcelario de excelente reparto y guión patriotero. Robert Redford da vida al general de tres estrellas Eugene Irwin, un militar legendario condenado a diez años de prisión por una desobediencia que costó la vida a varios de sus hombres. Irwin cumplirá la condena en El Castillo, una vieja prisión militar de máxima seguridad, dirigida con fría crueldad por el coronel Winter, al que da vida con inquietante estolidez el camaleónico James Gandolfini. Winter es un coleccionista obsesivo, traumado por no haber entrado nunca en combate. Cuando Irwin desvela públicamente esa deficiencia, la admiración de Winter hacia él se tranforma en un odio profundo, que le lleva a extremar las crueldades hacia todos los presos. La situación se vuelve insoportable, y el rebelde y carismático general Irwin toma una decisión drástica: intentar hacerse con el control de la prisión y destituir al sádico alcaide. La última fortaleza es una película de generosa producción, bastante bien rodada, e interpretada con convicción por un reparto excelente, en el que se lucen desde el trío protagonista -Redford-Gandolfini-Ruffalo- hasta los últimos presos y guardianes. Sin embargo, todo lo que cuenta suena a ya visto y oído mil veces, de modo que sus alargados 131 minutos pesan como una losa. Además, varios conflictos dramáticos con cierta entidad -el duelo entre el coronel y el general, las tensas relaciones de éste con su hija, - son maltratados por el guión. De modo que todo culmina en un festival de violencia absurda e inverosímil, con las barras y estrellas flotando al viento mientras Jerry Goldsmith machaca con las últimas notas de su insistente banda sonora. Jerónimo José Martín.

  Los diablos, primera película del francés Christophe Ruggia, es la historia de dos hermanos abandonados que luchan por sobrevivir estando juntos. La niña padece serios problemas psiquiátricos, a consecuencia de su abandono, y su hermano se desvive por cuidarla. Cuando las instituciones sociales quieren hacerse cargo de ellos y separarlos, se desata una vorágine de violencia en los hermanos que les llevará demasiado lejos. La película quiere tener ecos de Los cuatrocientos golpes de Truffaut; pero, tras un comienzo prometedor, se va deslizando por la pendiente del morbo y la exageración, dañando definitivamente la película. Muy psicoanálitica y a veces salvaje, el film también se resiente de un guión inmaduro y falta de objetivos claros. Juan Orellana

  En Minority Report, Steven Spielberg da continuidad de algún modo a Encuentros en la tercera fase y A.I. Inteligencia artificial, sus anteriores incursiones en la ciencia-ficción metafísica. Aquí se basa en un relato de Philip K. Dick, autor también del cuento que inspiró Blade Runner, la emblemática película de Ridley Scott. Washington, 2054. John Anderton es el mejor agente de la Unidad de Pre-Crimen, un departamento policial de carácter privado, pero autorizado a detener a los criminales justo antes de que cometan sus delitos. Tal cosa es posible gracias a los vaticinios mentales -legalizados por dos jueces- de los Pre-cogs, dos hombres y una mujer con poderes paranormales que son mantenidos en estado casi vegetativo en un lugar llamado El Templo. El gobierno se plantea extender a todo Estados Unidos la jurisdicción de la unidad. Pero justo en ese momento, las premoniciones implican a John Anderton en un asesinato. Aunque incluye alguna situación artificiosa y su desenlace resulta desvaído, Minority Report es mucho más fluida y redonda que A.I. Inteligencia artificial. Con este film comparte un tono duro y cortante, desagradable en un par de apuntes sexuales. Se ve que a Spielberg se le ha endurecido la mirada, quizá por influencia de Kubrick. En cualquier caso, la película tiene una factura sobresaliente, delimitada por una apabullante puesta en escena -plagada de homenajes fílmicos-, un montaje siempre a tono con la acción, una ambientación esmerada y sugestiva, una matizada fotografía panorámica a cargo de Janusz Kaminski, una sensacional banda sonora del maestro John Williams y unas interpretaciones casi sin fisuras. De este modo, Spielberg involucra al espectador en su exaltación de la libertad frente a la predestinación y el fatalismo. En ella incluye inquietantes reflexiones sobre la ley, el crimen y el castigo; sobre las amenazas modernas a la dignidad humana; sobre la sustitución de la religión auténtica por los peligrosos sucedáneos de la ciencia -"La ciencia nos ha robado a Dios", se dice-; y sobre la pérdida de autonomía y privacidad que conlleva el ansia de seguridad. Reflexiones, en fin, de gran hondura antropológica y moral, que sitúan a este thriller futurista entre las mejores obras de Spielberg. Jerónimo José Martín.

  Al ya octogenario novelista francés José Giovanni se deben los argumentos y guiones de algunas de las mejores películas francesas del género denominado polar, de temática carcelaria y policiaca: La evasión, de Jacques Becker; A todo riesgo, de Claude Sautet. En 1966, Giovanni debutó como director de cine con la adaptación de su novela La ley del superviviente. Y, desde entonces, ha dirigido una docena de buenas películas, como Último domicilio conocido, Dos hombres en la ciudad o Entre lobos. En Mi padre adapta su novela Il avait dans le coeur des jardins introuvables. Joe, jugador profesional de póker, es el sufrido patriarca de una familia de origen corso que vive en el París de la postguerra. Casado con una mujer de débil personalidad, este hombre callado y sencillo sufre lo indecible cuando sus dos hijos mayores se introducen en una banda de mafiosos corsos. Ambos se ven involucrados en un asesinato múltiple. El hijo mayor es abatido por la policía durante la huida, y el menor, Manu, es detenido y condenado a muerte, a pesar de que él no fue autor material de ninguno de los asesinatos. Joe inicia entonces una heroica lucha contrarreloj para salvar a su hijo. Su desesperado coraje de padre le llevará a agotar todos los recursos y a humillarse hasta límites increíbles. José Giovanni expone la trama principal y los cortantes flash-back con un frío realismo, aparentemente distante. Sin embargo, esta sobriedad se demuestra emocionalmente muy eficaz para ir desvelando sutilmente y sin sensiblerías la grandeza interior de ese padre capaz de todos los sacrificios y desdenes para salvar a su hijo. En este punto, brilla con luz propia la soberbia interpretación de Bruno Cremer. Los demás actores se benefician también de la profundidad de sus personajes, como se aprecia sobre todo en la preciosa amistad entre Manu y su carcelero, en las antípodas de una visión maniquea y cínica de las relaciones humanas. Jerónimo José Martín.

  En 1967, en la pequeña población de Point Pleasant (Virginia Occidental) acontecieron unos supuestos sucesos paranormales. Un buen número de personas creyó ver a un personaje que fue bautizado popularmente como Mothman, "hombre polilla", y otros tuvieron premoniciones, llamadas de ultratumba... John Keel, uno de los protagonistas de estos hechos, recogió la experiencia en un libro-crónica, The Mothman Prophecies, que ahora es llevado al cine libremente. Los hechos se sitúan a finales de los 90, y algunos personajes son completamente recreados. Como ocurre con el tipo conductor de la historia, John Klein (alter ego de Keel sólo en parte), un periodista que pierde a su mujer en un accidente de automóvil. Antes de su muerte, ve unos extraños dibujos que ella pintó, y que están misteriosamente relacionados con los sucesos de Point Pleasant. Mark Pellington se reveló como hábil creador de atmósferas inquietantes en el thriller Arlington Road. Ahora corrobora estas habilidades en un género distinto, el de terror: uso del sonido, combinación de steadycam y cámara en mano, y ausencia de criaturas cargadas de horripilante maquillaje forman parte de su acertado enfoque narrativo. El miedo es psicológico, inteligente. Invita a creer lo increíble. Además, rueda una secuencia casi perfecta, el excelente clímax que acontece en el puente. El reparto es impecable, con unas interpretaciones muy contenidas. También se juega bien la carta del contraste entre los tipos de ciudad (Gere, el urbanita triunfador cuya vida da un vuelco; Bates, el investigador que decidió cerrar los ojos) y los de un entorno rural (Linney, la policía de pueblo, espabilada como Frances McDormand en Fargo; Patton, cuya vida sencilla debe enfrentarse a hechos inexplicables). José María Aresté

  Narc es un thriller policiaco que ofrece uno de los arranques más violentos que se recuerdan. En realidad, toda la película está atravesada de una violencia excesiva. Es la historia de Nick, un policía de Dallas suspendido temporalmente de su actividad por una actuación imprudente que costó la vida de un bebé. Ahora, si colabora en un nuevo caso de la brigada de narcóticos -el asesinato de otro policía de la sección-, tiene la oportunidad de que le rehabiliten; pero su mujer no está dispuesta a volver a esa situación de miedo y tensión. Además, su compañero en el caso es un agente rudo y heterodoxo. La película está dirigida por el desconocido Joe Carnahan, y protagonizada por unos solventes Jason Patric y Ray Liotta. El guión como tal no es muy original, con la típica dicotomía poli bueno-poli malo, el deseo de redimir un pasado equivocado y el manido juego de las apariencias que engañan. Narc también cuenta con un montaje efectista y una brillante realización que nos introduce de lleno en lo más repulsivo del mundo de la droga. Sin embargo, este clasicismo no es correspondido con un drama moral de altura, o unas claves suficientemente interesantes que compensen la brutalidad que rodea el film. Juan Orellana.

  Autor de varios cortometrajes y documentales, el joven Norberto López Amado ha desarrollado su carrera sobre todo en el ámbito televisivo, como realizador de series del estilo de Crecer juntos o Condenados a entenderse. Estas valiosas experiencias se aprecian enseguida en su primer largometraje, Nos miran, vistosa adaptación de la novela de terror Los otros, de Javier García Sánchez. La brillante factura visual e interpretativa de la película compensa en parte un guión irregular y que culmina no se sabe dónde. El protagonista de la historia es Juan, un eficaz inspector de policía madrileño, felizmente casado y con dos hijos pequeños. Su tranquila existencia da un vuelco radical cuando le asignan el extraño caso de un hombre que lleva años desaparecido. Su investigación le conduce a un singular archivo, plagado de misteriosos casos semejantes, que despiertan en Juan un traumático suceso paranormal que vivió en su infancia. Esto irá sumiendo al policía en un progresivo estado de obsesión, casi paranoico, que pondrá en peligro la unidad de su familia y su propia vida. Nos miran es una película nítida en sus virtudes y en sus defectos. Por un lado, su puesta en escena moderniza los cánones del género y muestra una ambientación esmerada, una rigurosa planificación y un cuidado trabajo de iluminación y montaje. También son de alta calidad la fotografía de Néstor Calvo y la música de Bingen Mendizábal y Borja Ramos. Todo esto se desarrolla casi sin concesiones a la galería e integra muy bien el esforzado trabajo de los actores, todos ellos convincentes... si se aceptan las motivaciones de los personajes que interpretan. Es en este punto del guión donde la película flaquea. Ciertamente, el despliegue de la intriga preternatural y de los sustos está conseguido y obliga al espectador a permanecer en tensión. Sin embargo, sus situaciones no son muy originales, y se nota demasiado que son fruto de un cruce afortunado entre películas como Seven y El sexto sentido. Por otra parte, su fascinación esotérica y escatológica es tan difusa y vacía como la de Los otros, de Alejandro Amenábar; aunque, eso sí, se muestra respetuosa con la Iglesia católica. Un dato más a favor de esta película quizá fallida, pero con cierto interés. Jerónimo José Martín.

  Ed Rantke (Bottom Land) se da a conocer con esta modesta road-movie, que ha ganado un puñado de premios por todo el mundo. El cazador de sueños del título original es un amuleto indio, elaborado con plumas y tela de araña. Sirve para filtrar los sueños: si son buenos los deja pasar para que pueden regresar; y si son malos quedan prisioneros de la tela y desaparecen al amanecer. Entre sueños de ambos tipos se mueven los protagonistas de la película: Freddy, un joven que huye tras dejar embarazada a su novia; y Albert, un niño prematuramente adulto y mentiroso compulsivo, pero muy entrañable, que se ha escapado de un centro de menores. Su viaje sin rumbo por las infinitas carreteras de Estados Unidos enfrentará a estos dos niños perdidos con la cara más sucia del sueño americano y les hará replantearse a fondo sus penosas existencias. Seguramente no sorprenda esta película a los asiduos a los festivales cinematográficos, pues se parece a muchas otras producciones independientes de temática similar. Además, la perplejidad de sus protagonistas es mirada sin una clara perspectiva moral. Sin embargo, el cariño y afán de comprensión hacia ellos toca fibra en el espectador, cautivado además por unas interpretaciones muy emotivas y por una sugerente puesta en escena realista, que se ve enriquecida con sutiles elementos simbólicos y oníricos. Jerónimo José Martín.

  Ahora que las bombas vuelven a caer sobre Bagdad parece más necesaria que nunca la enriquecedora reflexión sobre la guerra, más pacifista que antimilitarista, que plantea el escritor y periodista español Javier Cercas en su novela Soldados de Salamina, uno de los mayores éxitos editoriales de los últimos años. De ahí la oportunidad del estreno de su versión cinematográfica, una generosa producción de Andrés Vicente Gómez, muy bien interpretada, y escrita, dirigida y montada con buen pulso por David Trueba, autor hasta ahora de dos films poco interesantes: La buena vida y Obra maestra. La protagonista de la película es Lola, una deprimida periodista de Gerona que, buscando un buen relato que contar, se obsesiona con la historia real del escritor Rafael Sánchez Mazas, uno de los fundadores de la Falange. Resulta que, al final de la Guerra Civil, Sánchez Mazas fue detenido por milicianos catalanes y casi fusilado en la frontera con Francia. Pero escapó con vida y se refugió en un frondoso bosque. Allí vivió diversas peripecias y un encuentro decisivo. Al hilo de sus pesquisas y encuentros con personajes reales, Lola recupera la alegría de vivir y de amar, y refuerza el compromiso social de su trabajo. David Trueba convierte en mujer al protagonista de la novela, y le asigna una depresión algo convencional y una artificiosa subtrama lésbica, puntualmente soez. Por otra parte, no saca todo el partido de la novela a la canción Suspiros de España. Sin embargo, estos defectos no arruinan la entidad dramática de la película, sustentada sobre todo en un guión muy sólido, con una visión socialista de la Guerra Civil, pero respetuosa con el bando nacional. Así se aprecia en la escena de la absolución a los que van a ser fusilados. A esto se añade una esmerada puesta en escena -muy bien apoyada por la fotografía, la música y el montaje- y unas emotivas interpretaciones, casi sin fisuras. Jerónimo José Martín.

  Una joven norteamericana vive en Londres con su cariñoso novio. Pero el encuentro casual con un famoso y turbio alpinista despierta en ella una voraz obsesión sexual que la lleva a dejar a su novio y a lanzarse por una peligrosa espiral hacia la sumisión sadomasoquista. El prestigioso cineasta chino Chen Kaige (Adiós a mi concubina) se estrella miserablemente en esta su primera película en Occidente, en la que adapta una novela de Nicci French. La insufrible sucesión de morbosas escenas de violencia y sexo estropea la supuesta intriga y provoca que las interpretaciones acaben resultando ridículas. Jerónimo José Martín.

  En esta nueva película de Nick Hamm, la adolescente actriz Thora Birch interpreta a una chica pérfida que es capaz de cualquier atrocidad para conseguir que su compañero Mike le quiera. Para ello decide pasar unos días con él, y con Frankie y Geoff, escondidos en un búnker subterráneo que han hallado en los bosques que rodean su internado. Pero en ese agujero las cosas se pondrán muy, pero que muy, feas. The Hole es una película de terror psicológico, sin monstruos, asesinos en serie, ni tremendos efectos especiales. Realmente lo terrorífico es lo que le puede pasar a una chica rellenita cuando vive en un mundo que es para las top model. Liz vive en un internado de alto standing, en el que solo cuentan las chicas rubias, altas y delgadas de belleza standard. Cuando Liz se enamora de uno de los más codiciados mozos del lugar, comprende que ella no es nadie en un ambiente de esa superficialidad. Y ahí comienzan los problemas, cuando no está dispuesta a perder lo que más quiere. Para un público más bien adulto, la película es una crítica terrible a una sociedad de anorexias y bulimias donde uno vale según su pura y epidérmica apariencia. Pero también deja claro que el amor no es programable, ni manipulable como un experimento de laboratorio. Narrativamente responde al conocido esquema de flashbacks y recuerdos durante una terapia algo psicoanalítica. Deliberadamente confusa en algún momento, The Hole mantiene el suspense y es sostenida por unas muy buenas interpretaciones y un excelente diseño de producción, aunque es lógicamente tórrida y muy desagradable en varios momentos. Tiene su interés para los amantes del género de terror. Juan Orellana.

  Muy alabada por la crítica en el Festival de San Sebastián 2001, e injustamente ignorada por el Jurado Oficial de dicho festival, Un hombre de verdad es la sexta película rodada según los principios ultranaturalistas del Manifiesto Dogma 95 y la primera que afronta un argumento con elementos fantásticos. Con ella se ha dado a conocer internacionalmente el danés Ake Sandgren, bastante famoso en el ámbito escandinavo. Charlotte y Walter son un matrimonio de ricos yuppies cuyas agotadoras dedicaciones profesionales les impiden cuidar de su hija Lisa, de seis años. Para soportar su soledad, la fantasiosa niña habla con J, un joven imaginario que según ella habita en una pared de su habitación y que sería en realidad su hermano mayor, abortado por sus padres hace años. Cuando Lisa fallece en un tonto accidente automovilístico, el destino arroja a J al mundo real con el cuerpo de un veinteañero pero con la mente y el alma de un niño. Pronto sufrirá en propia carne las crueldades de un mundo enfermo, casi incapaz de reconocer la inocencia y la bondad. Como la mayoría de las películas Dogma, Un hombre de verdad está muy bien escrita, rodada con un poderoso hiperrealismo e interpretada con una autenticidad apabullante. Esto asegura la absoluta implicación emocional del espectador en los conflictos dramáticos y morales de la historia, expuestos a veces con una crudeza quizás excesiva. De todos modos, Sandgren está mucho más cerca del optimismo vitalista de Italiano para principiantes que del desolador pesimismo de Celebración. Así que su tremebunda condena del individualismo materialista culmina en una bellísima exaltación de la capacidad del ser humano para redimir sus culpas a través del dolor, el arrepentimiento y el amor. Jerónimo José Martín.

  Galardonada con cuatro Globos de Oro -mejores película dramática, guión adaptado, actor (Russell Crowe) y actriz de reparto (Jennifer Connelly)-, Una mente maravillosa se perfila como una de las películas favoritas para los Oscars. Relata la vida de John Nash, profesor de la Universidad de Princeton, que en 1994 recibió el Premio Nobel de Economía. La película comienza en 1947, cuando Nash (Russell Crowe) ingresa en la universidad. Muestra su carácter excéntrico, su obsesión por encontrar "una idea completamente original" y sus escasas habilidades sociales. El descubrimiento de la teoría de juegos le vale la graduación con honores y un puesto de profesor en el prestigioso centro de investigación MIT. Durante la Guerra Fría trabajará también para el Ministerio de Defensa como descifrador de mensajes soviéticos. En 1953, Nash está en la cumbre: tiene prestigio como profesor y se casa con una de sus alumnas, Alicia (Jennifer Connelly), que ha sido cautivada por su genio e inocencia. Pero entonces se hacen evidentes los síntomas de una esquizofrenia paranoica degenerativa, que le obliga a ser internado en un hospital psiquiátrico. Una mente maravillosa es una dramatización simplificada de la vida de John Nash, no una auténtica biografía, como era de esperar de Ron Howard (Cocoon, Apolo 13, 1,2,3... Splash, El Grinch), director hábil que siempre ha buscado el aplauso del público. El relato se centra en el espíritu de superación de un hombre condenado a la soledad por su propio genio, y prepara un brillante y lacrimógeno triunfo final, muy del gusto de Howard. La película es un producto agradable y bien elaborado, con un reparto en el que todos brillan con luz propia. Sin embargo, se echa en falta todo lo que sugiere: el talante luchador y las pruebas por las que pasa Nash; los años de hospitalización, de falta de trabajo, de casi pobreza, de hundimiento y pérdida de prestigio, que son una parte importante de su historia. Es la parte incómoda y arriesgada en la que Ron Howard no ha entrado. Se limita a ofrecer unas pinceladas de realismo light con final feliz, más correcto y menos complicado. Fernando Gil-Delgado.

  El hombre isla. Alias Ibiza. Rodeado por el agua de sus tonterías, a solas consigo mismo. Así se ve Will, un tipo cercano a los 40, que vive de las rentas que le dejó papá, y se dedica a no hacer nada, a "pasarlo bien". No piensa en las demás, sale con chicas para satisfacer sus instintos básicos. E ignora por completo el significado de la palabra compromiso. Hasta que, en medio de una intentona de conquista, se cruza en su vida Marcus, hijo de madre hippy, separada y con tendencias suicidas. El chaval, auténtico freak que sufre las burlas de sus compañeros del colegio, se pega a Will como su última esperanza de felicidad. Quizá sea la criatura que Will "Frankenstein" (film citado expresamente) necesita para posar de una vez su mirada en el prójimo. Los hermanos Chris y Paul Weitz dieron lo mejor de sí en el divertido guión del film de animación digital Antz (Hormigaz). Después, cayeron en la zafiedad más estúpida con American Pie. Ahora insisten en la comedia, pero en una línea más clásica, con ingenio y estilo, acudiendo con acierto al contrapunto melodramático y a la guinda romántica. Hugh Grant compone muy bien al tipo ególatra, caradura y odioso, al que no podemos dejar de amar, que ya bordó en El diario de Bridget Jones y en Granujas de medio pelo. Le dan buena réplica Toni Collette y Rachel Weisz, y el chaval Nicholas Hoult. José María Aresté.

  Utopía es una organización secreta de la que forman parte precognitores de todo el mundo, es decir, hombres y mujeres con la capacidad paranormal de ver el futuro para intentar cambiarlo. Uno de ellos es Adrián, un joven angustiado por su don y que se obsesiona con una chi